niki

Il mio nuovo blog: AFFINITA' ESPRESSIVE

2008-12-09T10:04:00.001-08:00

Nuovi posto su AFFINITA' ESPRESSIVE, il nuovo blog di Niki

Parole sull'arte

2008-09-01T07:19:00.000-07:00

"Oggi, più di una volta, è difficile. Per gli artisti è dura. Gli tocca fare la vita dei calciatori: se non entri subito nella scuderia giusta, dopo 5 anni sei già fuori, in panchina"

dichiara Lea Vergine a Barbara Casavecchia in un'intervista pubblicata oggi da La Repubblica, in occasione della presentazione di Parole sull'arte, 1965 - 2007, un libro che raccoglie i più importanti articoli scritti in quarant'anni di carriera come critica d'arte, un libro denso di spunti di riflessione tutt'ora validi.

nikisketchbook

2008-08-08T10:38:00.001-07:00

La guida artistica

2008-08-08T09:55:00.001-07:00

La guida artistica ha un ruolo delicato, è una figura che accompagna senza forzare, una figura che non sa e non dice cosa fare, non ha la verità ma aiuta il cliente a trovare la propria. Pur conoscendo molti aspetti del processo creativo e molti modi per superare gli ostacoli più comuni non somministra soluzioni preconfezionate, non conosce la direzione del percorso del singolo allievo ma, accompagnandolo e sostenendolo nella ricerca, lo aiuta a trovarla in sé stesso.
Per fare questo la guida artistica deve mettere a tacere il proprio modo di concepire il mondo, deve sospenderlo, deve saper osservare, leggere i segni, sintonizzarsi, ascoltare. Non offre certezze ma pone domande al fine di suscitare nel cliente l’abitudine a cercare dentro di sé le risposte. In questo modo può aiutarlo a trovare la propria espressione individuale, il proprio metodo.

Il counseling per l'arte

2008-08-08T09:54:00.000-07:00

Il counselor artistico considera l’arte una via di conoscenza, una strada maestra verso sé stessi, una pratica esplorativa non verbale per sé e per il cliente. Il suo lavoro si basa sui principi del counseling, su competenze di tipo artistico e sulla conoscenza dei comportamenti psicologici più comuni collegati alla creatività e all’arte.
Il counselor artistico ha il compito di aiutare il cliente a trovare la propria espressione individuale, il proprio metodo, grazie alla scoperta dei limiti della propria soggettività e, nello stesso tempo, alla scoperta dei punti di forza della propria unicità. L'attività artistica permette di entrare in contatto con sé stessi e di confrontarsi con ciò che si è, con le qualità che caratterizzano ogni individuo. L’art counselor è dotato degli strumenti necessari per accompagnare il cliente lungo tutto il percorso.

Trovare sé stessi attraverso la creatività

2008-08-08T09:53:00.000-07:00

Ogni persona, ogni artista ha qualcosa che lui solo può esprimere in un certo particolare modo, qualcosa che nessun altro può dire come lui, qualcosa che si manifesta e si rende leggibile attraverso la pratica e che, opera dopo opera, può divenire sempre più esplicito e inconfondibile. La strada della creatività porta a trovare sé stessi, il proprio segno, il proprio stile, a riconoscerlo e a svilupparlo. Modalità espressive personali necessitano - per manifestarsi - di un lavoro di scavo, di ripulitura, di ritrovamento. E’ difficile all’inizio riconoscere le qualità e il valore di quello che facciamo. L’espressione personale è qualcosa di conosciuto ed estraneo nello stesso tempo, ci è familiare e ci sorprende per la novità che rappresenta, ci sfugge. Ha caratteristiche nuove e non immediatamente collocabili che in genere non sappiamo apprezzare, non somigliano al nostro ideale. Per sfuggire all’incertezza facciamo riferimento a modelli esterni, cerchiamo di imitare altri artisti, prendiamo a prestito le loro opere.
L’imitazione è un atteggiamento fondamentale dell’esistenza, il bambino impara imitando, l’allievo imita il maestro, studia i capolavori dei grandi artisti, prova a sperimentare le loro tecniche, assimila. Non è un essere isolato nel tempo e nello spazio ma conosce il proprio punto di partenza, è consapevole di tutto il patrimonio di lavoro lasciato da chi è venuto prima di lui. A un certo punto, però, se non si libera dell’abitudine all’imitazione resta intrappolato in stilemi ripetitivi e inespressivi e si allontana da sé. E’ indispensabile saper imitare, comprendere fino in fondo, metabolizzare il lavoro di altri per poi staccarsi e sperimentare liberamente, inventare, rischiare.

L’arte ha molto a che fare con il disimparare

2008-08-08T09:52:00.000-07:00

“L’arte ha molto a che fare con il disimparare, con la grande difficoltà della mente umana a uscire dal seminato, ovvero a agire contro se stessa per istituire discontinuità. A quali condizioni la mente umana accede a un breakdown creativo, quanta difficoltà incontra ad agire contro se stessa per riuscire a mettere in discussione l’ordine, essendo prevalentemente vocata a costruire ordine e a mantenere ordine e a preservare ordine …” Ugo Morelli

Il disegno come rituale

2008-07-30T03:38:00.000-07:00

Uso il disegno come rituale, come gesto riparativo, come strumento simbolico di attivazione di forze risanatrici interne. Disegnare per me è conoscere, è pensare, è metabolizzare. Il disegno è un pensiero non verbale, è un mezzo di comunicazione con il corpo, con la parte profonda e più antica di me. Il disegno permette di narrare in modo nuovo la propria storia e ricollocare esperienze altrimenti percepite come frammentarie.

Dal mio nuovo sito: www.nikisketchbook.com

2008-07-30T02:42:00.000-07:00

The wings experiences series/1

The wings experiences series/7The wings experiences series/12

Queste opere sono pubblicate sotto una
Licenza Creative Commons.

Carl Rogers e la terapia centrata sul cliente

2008-07-24T03:34:00.000-07:00

La grande rivoluzione di Carl Rogers consiste nell’aver impostato il lavoro educativo e terapeutico partendo dalla considerazione che il cliente ha in sé la capacità di curarsi e di progredire.
Per Rogers ogni persona possiede una tendenza naturale alla crescita, una forza costruttiva, una spinta all'autorealizzazione. Il terapeuta, l’insegnante che rispettano le inclinazioni naturali della persona non instaurano un rapporto basato sul potere (io so cosa è meglio per te e tu fai come dico io) ma sullo scambio alla pari. Il loro compito è quello di porsi in condizione di parità per facilitare il processo di crescita e agevolare l'apprendimento, responsabilizzando la persona e l’ambiente.

“Ricordo che durante la mia adolescenza conservavamo la nostra provvista di patate per l’inverno in un recipiente posto sotto una piccola finestra, nel seminterrato. Le condizioni non erano favorevoli, tuttavia le patate germogliavano ugualmente – dei pallidi germogli biancastri, tanto diversi da quelli verdi e vigorosi che spuntavano quando le patate venivano piantate in terra a primavera. Ma questi tristi ed esili germogli si allungavano fino a un metro per raggiungere la distante luce della finestra. (…) Non diventavano mai una pianta, non maturavano, non esaurivano la loro reale potenzialità ma, pur nelle più avverse condizioni, si sforzavano di farlo. La vita non cede mai, anche se non può fiorire. Durante il trattamento di clienti la cui vita è stata terribilmente rovinata, oppure quando lavoro con uomini e donne nelle corsie degli ospedali di Stato, spesso mi tornano in mente quei germogli di patate. Queste persone si sono sviluppate in condizioni così sfavorevoli che la loro vita sembra spesso anormale, distorta, addirittura poco umana. Eppure si deve credere nella tendenza direzionale che c’è in loro. Per comprendere il loro comportamento bisogna tener conto del fatto che esse si sforzano di muoversi verso la crescita e la trasformazione nell’unico modo che è loro possibile. I risultati possono sembrarci inutili o strani ma esse stanno veramente compiendo il disperato tentativo di diventare se stesse. E’ questa forte tendenza che viene posta alla base della terapia centrata sul cliente ed è da essa che tutto si è sviluppato." Carl Rogers, 1977 Potere personale. La forza interiore e il suo effetto rivoluzionario, 1978, Astrolabio Ubaldini

Una scoperta recente: animazioni su muro http://www.blublu.org/sito/video/muto.htm

2008-07-23T07:49:00.000-07:00

Considerazioni di un’artista al bivio

2008-07-21T04:22:00.000-07:00

Questo particolare momento storico è portatore di cambiamenti notevoli nel mondo dell’arte e, come artisti, ci impone di trovare nuove soluzioni. Non pretendo di fornire delle risposte a un tema così complesso ma voglio proporre alcune riflessioni ancora in fase di elaborazione.

Si è riflettuto molto sull’opera d’arte, sulla sua funzione e sul ruolo dello spettatore, meno si è discusso sull’artista. Mi sembra interessante farlo ora.
E’ stato molto analizzato, da chi si occupa di arte, soprattutto l’aspetto che riguarda l’opera, come è, quali sono le sue caratteristiche, cosa esprime, con quali strumenti e con che maestria è stata realizzata, quale pensiero sottintende, quali sono i suoi versanti innovativi, come si relaziona con le altre opere d’arte.

Anche la questione del ruolo dello spettatore è stata molto discussa. Negli ultimi decenni gli artisti hanno sperimentato svariati modi per coinvolgere il pubblico, considerandolo come parte attiva dell’opera: dal semplice invito alla contemplazione a una fruizione meno passiva che tiene conto del corpo e di tutti i sensi dello spettatore per arrivare al coinvolgimento totale, rendendo il pubblico presupposto determinante per la riuscita dell’opera. A volte l’opera non esiste se non c’è un pubblico, altre volte è materialmente fatta dal pubblico. L’artista diventa la figura che provoca l'azione, che crea le condizioni, il meccanismo finalizzato a sollecitare un determinato comportamento da parte dello spettatore. L’opera diviene l’evento, il risultato di un’interazione tra il luogo, inteso come spazio fisico e culturale, l’artista e le persone che determinano il luogo. Anche l’arte pubblica oggi è considerata tale non perché è collocata in uno spazio pubblico ma perché dialoga con il pubblico, visto come suo elemento caratterizzante.

L’artista così inteso, che ha iniziato la sua carriera seguendo un impulso interiore verso la creatività e ha goduto del piacere del fare disinteressato, per essere coerente e poter attuare questo tipo di coinvolgimento del pubblico ha messo in atto una grossa rinuncia. Si è trovato a dover abbandonare la sua personale espressione artistica, più intima e diretta, quella legata al piacere di fare e alla scoperta, anche ludica, a favore di un’azione coerente con quelli che considerava gli assunti teorici. Ha adottato un rigore certo necessario ai fini della riuscita dell’opera ma castrante nei confronti di se stesso e dei suoi bisogni creativi primari. L’assunzione dell’atteggiamento maturo dell’artista relazionale lo priva della possibilità di un’espressione immediata, diretta, intima.
Ma il sacrificio attuato è veramente necessario? Forse in una fase storica di transizione lo è stato ma è tutt’ora così? Se come artista non posso permettermi nemmeno di scegliere un colore, mi vale la pena il sacrificio?
Dov’è finito l’impulso iniziale, il piacere dei primi tempi, legato alla pratica dell’arte e non al suo fine?

L’artista non è un animatore e il pubblico sembra maturo per diventare artista egli stesso. Se fino a pochi anni fa lo spettatore doveva essere provocato, coinvolto, o almeno così pareva necessario fare agli artisti, oggi sembra voler rivendicare un ruolo diverso, non solo maggiormente attivo, compartecipativo ma, direi, da protagonista. Lo spettatore esiste ancora come categoria? Lo spettatore vuol sostituirsi all’artista. Il successo dei siti tipo You Tube o Flickr.com ne è la conferma, così pure i molti corsi di creatività a vari livelli, dal decoupage per casalinghe ai corsi di arte per adulti o di creatività per manager. Il bisogno di fare arte cresce.

Considerazioni di una docente di arti visive al bivio

2008-07-21T04:18:00.000-07:00

Esistono molti livelli e modi di fare arte, una possibilità è quella di orientare il lavoro creativo verso obiettivi concreti, usare i risultati del proprio fare per uno scopo: per esempio dipingere una serie di quadri da esporre in una determinata galleria o lavorare con l’intento di progettare un'opera pubblica. Ma il mercato dell’arte, per quanto sia fiorente, non può contenere la domanda che viene dal basso. Consideriamo il numero sempre crescente di giovani artisti che girano per gallerie cercando invano di esporre il proprio lavoro, che fare? Formare altri giovani artisti? Che prospettive hanno? Se penso agli studenti che ho seguito nell’ultimo decennio, bravi o meno nel lavoro poco conta: pochi passano, tutti dentro non ci stanno.
Ora, senza togliere importanza alla figura dell’artista che lavora con professionalità e fa dell’arte la propria occupazione principale, deve esistere la possibilità di dare un senso diverso alla pratica dell’arte. Trovare qualcuno che legittima il lavoro e lo espone non può essere il solo obiettivo.
E se anche lo spettatore diviene artista poi? Così tanti artisti non entrano né nella logica evolutiva della storia dell’arte né nella logica elitaria del mondo dell’arte.
Segue: La pratica dell'arte come pratica filosofica

La pratica dell'arte come pratica filosofica

2008-07-21T04:14:00.000-07:00

Quella artistica è un’attività molto appassionante ma è difficile procedere senza dover fare i conti con sé stessi, con le proprie debolezze, con i propri limiti e con le risorse disponibili, con la propria unicità, nel bene e nel male. Realizzare un’opera può diventare un’occasione per conoscere e trasformare sé stessi, per divenire sé stessi. La strada dell’arte può fornire l’occasione di crescere come persona.

La pratica dell’arte è una pratica filosofica. In origine anche la filosofia era pratica e aveva come scopo quello di divenire sé stessi.
"Sin dalla sua fase sorgiva, uno degli scopi precipui della filosofia è stato contribuire a ‘farci diventare ciò che si è’. L’espressione può apparire paradossale ma è proprio della filosofia il convincimento che esistere e diventare se stessi non sia la stessa cosa e che occorra, al contrario, effettuare un accurato lavoro su sé stessi per realizzare appieno la propria essenza." M. Montanari - Filosofia come cura - Unicopli, 2007

Anche il filosofo Salvatore Natoli nei Podcast di Radio Feltrinelli, recuperando la nozione antica di virtù, invita a divenire sé stessi, a scoprire ciò per cui si è costitutivamente fatti:

“Io devo realizzare me stesso, devo trovare un qualcosa che io davvero decido, che non sia il mio alienarmi nell’abilità, e allora a questo punto riemerge, torna la nozione antica di virtù, dove virtù vuol dire sostanzialmente agire in modo che nell’azione si realizzi la mia personalità”.

Potremmo pensare all’arte come a una pratica filosofica, come ad un’attività che ci permette di entrare in contatto con noi stessi, di conoscerci, di confrontarci con quello che siamo, fuori dalla logica mitizzante dell’artista, dentro la nostra realtà di persone che hanno una soggettività da riconoscere e da esprimere, e la necessità di “scolpire sé stessi”, come scrive Michel Onfray ne La scultura si sé (Fazi 2007).

Essere uomini vuol dire creare se stessi, in questo senso ogni uomo è un artista e l’arte è competenza, diritto e dovere di ogni essere umano. Fare arte si ricollega a una dimensione antroplogica, l’uomo è un uomo faber, nel senso di fare sé stessi e l’arte è competenza di ogni essere umano che vuole diventare se stesso, indipendentemente dall’esporre o meno in una galleria.

Disegnare fare baciare

2008-05-24T19:30:00.000-07:00

... disegni segni schizzi abbozzi ritratti raffigurazioni copie tracce tratteggi ombre effigi delineazioni contorni ricalchi descrizioni riproduzioni figure illustrazioni rappresentazioni raffigurazioni indicazioni marcature imprimiture delimitazioni duplicati decorazioni miniature sottolineature trascrizioni riporti trasferimenti ...

L'arte serve a chi la fa

2008-05-22T10:46:00.000-07:00

Da dove nasce il desiderio di disegnare, modellare, filmare, fotografare, riprodurre, rappresentare la propria realtà? Perché i bambini amano disegnare la mamma, il papà, se stessi e di nuovo la casa, la famiglia, passando ore e ore a fermare su un foglio e dentro di sé il loro mondo? Quale necessità porta le persone a riprodurre graficamente la vita?

Una delle ragione per cui la pratica dell'arte è sempre più diffusa è che l'arte serve a chi la fa. Io credo che l'artista sia spinto soprattutto dal proprio bisogno di creare, di sperimentare, inventare, scoprire, confrontarsi con se stesso e con il mondo.